En peinture abstraite, le choix des couleurs est loin d’être anodin. Contrairement à ce que l’on pourrait penser, créer une œuvre abstraite ne consiste pas nécessairement à se jeter sur la toile et à choisir ses couleurs uniquement à l’instinct.

L’intuition a évidemment toute sa place dans le processus créatif, mais elle peut parfaitement être accompagnée d’une réflexion sur les couleurs, leurs relations et les contrastes qu’elles vont créer.

Dans cet article, je vais justement vous montrer comment construire une harmonie de couleurs adjacentes, en prenant comme exemple l’un de mes tableaux réalisé principalement avec des couleurs chaudes.

Nous verrons également un élément que je considère comme essentiel et que l’on oublie parfois lorsqu’on parle de couleur : les valeurs.

Qu’est-ce qu’une harmonie de couleurs adjacentes ?

Pour construire une palette cohérente, l’un des outils les plus intéressants reste le cercle chromatique.

Il ne s’agit pas simplement d’un joli cercle rempli de couleurs. Il permet de visualiser leurs relations et surtout de construire différentes harmonies qui ont depuis longtemps fait leurs preuves.

L’une d’entre elles est ce que l’on appelle l’harmonie adjacente, également appelée harmonie analogue.

Le principe est très simple : on sélectionne sur le cercle chromatique plusieurs couleurs situées les unes à côté des autres.

On peut par exemple travailler avec :

• du jaune ;
• de l’orange ;
• du rouge.

Ces trois familles de couleurs se suivent naturellement sur le cercle chromatique. Elles permettent donc de créer une palette particulièrement cohérente.

C’est précisément le principe que j’ai utilisé pour réaliser ce tableau.

Construire une palette autour des couleurs chaudes

La première chose que l’on remarque lorsqu’on observe mon tableau est la présence très importante de couleurs chaudes.

Jaunes, orangés, rouges…

J’ai volontairement décidé de rester dans un spectre chromatique relativement restreint.

Cela permet de créer une véritable identité visuelle et une sensation générale de chaleur.

Il aurait bien sûr été possible d’introduire une couleur froide pour créer un accent : un bleu, un indigo ou encore un violet.

C’est d’ailleurs une technique que j’utilise régulièrement dans mes tableaux.

Mais une couleur d’accent n’est absolument pas obligatoire.

Pour cette œuvre, je souhaitais justement conserver cette sensation de chaleur sur l’ensemble de la composition. Je n’ai donc pas ressenti le besoin d’aller chercher des couleurs froides.

Et les bruns dans tout ça ?

En observant attentivement le tableau, vous remarquerez également plusieurs bruns et marrons.

Pourtant, ces couleurs ne sont pas directement représentées sur un cercle chromatique classique.

Pourquoi ?

Parce que le cercle chromatique présente généralement les couleurs dans des niveaux de saturation relativement élevés.

Une couleur saturée est, pour simplifier, une couleur particulièrement intense et éclatante.

À l’inverse, lorsque l’on commence à la désaturer, elle devient progressivement plus terne ou plus grisonnante.

On peut également modifier sa luminosité et la foncer.

C’est justement ce qui permet d’obtenir certains des bruns présents dans mon tableau.

Ils restent liés à ma palette de départ — rouge, orange, jaune — mais correspondent à des variantes beaucoup plus sombres.

On peut évidemment utiliser directement des couleurs comme la terre d’ombre naturelle, la terre de Sienne ou différents tons crème.

Mais on peut aussi fabriquer soi-même ces nuances grâce aux mélanges.

Et c’est là que la peinture devient particulièrement intéressante !

Foncer une couleur sans simplement ajouter du noir

Lorsque je souhaite foncer une couleur, mon premier réflexe n’est pas nécessairement d’y ajouter du noir.

Une méthode beaucoup plus intéressante consiste à utiliser sa couleur complémentaire.

Une couleur complémentaire est située à l’opposé d’une autre couleur sur le cercle chromatique.

FONCER UNE COULEUR : 3 TECHNIQUES (Peinture acrylique / Tuto)

Correctement dosée, elle permet notamment de casser et de foncer une couleur tout en conservant une richesse chromatique intéressante.

C’est de cette manière que l’on peut obtenir certains bruns beaucoup plus subtils qu’avec un simple mélange contenant du noir.

Mais le choix des couleurs n’est qu’une partie du travail.

Il reste un élément extrêmement important pour donner de la force au tableau.

Le secret : ne pensez pas seulement en couleurs, pensez en valeurs

Deux tableaux utilisant exactement les mêmes couleurs peuvent produire des résultats complètement différents.

Pourquoi ?

Parce que leurs valeurs peuvent être différentes.

La valeur correspond, pour simplifier, au niveau de luminosité d’une couleur.

Imaginez que votre tableau soit transformé en noir et blanc.

Certaines couleurs apparaîtront très claires, tandis que d’autres deviendront beaucoup plus sombres.

Un jaune très lumineux sera par exemple généralement beaucoup plus proche du blanc qu’un rouge profond ou qu’un brun foncé.

C’est cette différence qu’il faut apprendre à observer.

Du blanc jusqu’au noir

Dans mon tableau, j’ai volontairement cherché à utiliser une échelle de valeurs assez large.

On retrouve des tons très clairs, parfois presque blancs ou crème, puis différentes valeurs intermédiaires jusqu’à atteindre des tons extrêmement foncés.

J’ai même utilisé du véritable noir de Mars pour certaines projections.

L’objectif n’est pas de remplacer les couleurs par du noir et du blanc.

Ces tons neutres permettent plutôt d’accentuer les extrêmes de l’échelle de valeurs.

On obtient alors davantage de contraste.

Et c’est précisément ce contraste qui peut apporter énormément de force à une composition.

Une astuce très simple : regardez votre tableau en noir et blanc

Lorsque l’on débute, réfléchir simultanément aux couleurs et aux valeurs n’est pas forcément évident.

Il existe heureusement une astuce très simple.

Prenez une photo de votre tableau et passez-la temporairement en noir et blanc.

Les couleurs disparaissent.

Vous pouvez alors observer uniquement les différences de luminosité.

Posez-vous quelques questions :

Est-ce que mon tableau possède de véritables zones claires ?

Est-ce que certaines zones sont réellement sombres ?

Existe-t-il suffisamment de valeurs intermédiaires ?

Mon image paraît-elle complètement uniforme ?

Avec l’expérience, vous aurez de moins en moins besoin de cette astuce. Votre œil apprendra progressivement à estimer la valeur d’une couleur directement lorsque vous la regardez.

Pourquoi le contraste rend-il un tableau plus intéressant ?

Dans cette œuvre, l’association entre les jaunes lumineux, les orangés, les rouges, les bruns très foncés et quelques noirs produit des écarts importants.

À cela viennent s’ajouter les mouvements de la peinture, les coulures, les différentes couches et des zones beaucoup plus douces.

L’œil possède alors énormément d’informations à explorer.

C’est cette alternance entre énergie, contraste et douceur qui m’intéresse particulièrement dans mon travail.

Une harmonie chromatique cohérente ne signifie donc pas que tout doit être uniforme.

Au contraire.

On peut rester dans une famille de couleurs relativement restreinte tout en créant énormément de variété grâce aux valeurs, à la saturation, aux textures et aux gestes.

Ajouter de l’énergie grâce aux projections

La réalisation de ce tableau repose également sur un travail en différentes couches.

J’ai commencé par travailler le fond au spalter afin de créer du mouvement et de l’énergie.

J’ai ensuite utilisé différents effets avec l’eau, des coulures, des glacis et plusieurs superpositions.

À un certain stade, j’aurais parfaitement pu considérer le tableau comme terminé.

Mais il me manquait quelque chose.

Je voulais davantage d’énergie.

J’ai donc décidé d’ajouter ces grandes projections rondes que vous pouvez observer sur l’œuvre.

C’est une intervention qui ne prend parfois que quelques secondes et qui peut pourtant métamorphoser complètement un tableau.

Évidemment, cela peut également faire peur !

Une projection mal maîtrisée peut modifier radicalement une composition qui fonctionnait jusque-là très bien.

Il faut donc progressivement apprendre à maîtriser son geste et surtout savoir ce que l’on souhaite apporter au tableau.

Intuition et réflexion ne sont pas incompatibles

C’est probablement l’idée principale que j’aimerais que vous reteniez.

Créer intuitivement ne signifie pas créer sans réfléchir.

Dans mon propre travail, je laisse énormément de place à l’intuition. Je suis mes envies, j’expérimente, j’ajoute des mouvements et je laisse parfois la peinture produire ses propres effets.

Mais en parallèle, je pose une réflexion.

Et cette réflexion commence très souvent par le choix de mes couleurs.

Avant de commencer votre prochain tableau abstrait, essayez donc de prendre quelques minutes pour regarder votre cercle chromatique.

Choisissez une harmonie.

Demandez-vous quelle ambiance vous souhaitez créer.

Puis seulement ensuite, laissez votre intuition prendre le relais.

À vous d’expérimenter !

Pour votre prochain tableau, essayez par exemple de sélectionner seulement trois couleurs adjacentes sur votre cercle chromatique.

Vous pourriez choisir :

jaune → orange → rouge

ou, dans un tout autre registre :

bleu → bleu-vert → vert

Travaillez ensuite différentes saturations et différentes valeurs de ces couleurs.

Ajoutez des tons très clairs.

Créez des nuances plus foncées.

Puis observez votre tableau en noir et blanc.

Vous constaterez rapidement qu’avec seulement quelques familles de couleurs, il est possible d’obtenir une palette extrêmement riche.

Le cercle chromatique n’est donc pas là pour brider votre créativité.

Au contraire : il vous donne un cadre à partir duquel vous pouvez expérimenter librement.

Et c’est souvent lorsque réflexion et intuition commencent à travailler ensemble que les choses deviennent vraiment intéressantes en peinture abstraite.